![水粉[10]](/img/e/873/nBnauM3X3gDOzkjMzgzN4UTO1UTM1QDN5MjM5ADMwAjMwUzL4czL1czLt92YucmbvRWdo5Cd0FmLwE2LvoDc0RHa.jpg "水粉[10]")
概述
水粉畫
水粉畫是以水作為媒介，這一點，它與水彩畫是相同的。所以，水粉畫也可以畫出水彩畫一樣的酣暢淋漓的效果。但是，它沒有水彩畫透明。它和油畫也有相同點，就是它也有一定的覆蓋能力。而與油畫不同的是，油畫是以油來作媒介，顏色的乾濕幾乎沒有變化。而水粉畫則不然，由於水粉畫是以水加粉的形式來出現的，乾濕變化很大。所以，它的表現力介於油畫和水彩畫之間。水彩畫的特點是顏色透明，通過深色對淺色的疊加來表現對象。而水粉畫的表現特點是處在不透明和半透明之間。如果在有顏色的底子上覆蓋或疊加，那么這個過程，實際上是一個加法，底層的色彩多少都會對表層的顏色產生影響，這也就是它較難掌握的地方。但是，有經驗的畫家往往就是利用它的這種特性來表達水粉色彩自身的和特有的藝術魅力。
水彩畫
至於水彩畫，從字義上來看，
劉文甫水彩區別
水粉又稱廣告色，是不透明水彩顏料。可用於較厚的著色，大面積上色時也不會出現不均勻的現象。雖然同屬於不透明水彩顏料，但水粉一般要比丙烯便宜；但在著色、顏色的數量以及保存等方面比丙烯稍遜一籌。應根據不同用途選擇性的使用。
水彩透明度高，色彩重疊時，下面的顏色會透過來。色彩鮮艷度不如彩色墨水，但著色較深，適合喜歡古雅色調的人。即使長期保存也不易變色。而所謂的不透明水彩，就是指樹膠水彩畫顏料跟廣告顏料。一般指的“水彩顏料”都是指透明水彩。至於兩者有什麼不同，簡單地說，就是塗在別的顏色上面的時候，可以清楚的看見下面的顏色的，是指透明水彩。可以將下面的顏色蓋住的就是不透明水彩。
發展
了解水彩畫的發展史，能幫助我們理解怎樣發展水彩藝術，對自己水彩藝術風格的形成起著重要的作用；能開拓青少年的眼界，提高青少年水彩藝術愛好者的理論修養，是青少年水彩藝術愛好者的必修課。
從水彩畫概念——“水彩畫是用水調合顏色繪製的圖畫”這樣的理解出發，我們可以說水彩畫是人類繪畫史上最古老的畫法。古代埃及人在他們繪製冥途指南（名稱叫《死者之書》或《死書》）時運用了熟練的水彩畫方法。
又如在古代印度和希臘等民族中，水彩畫法也早被套用。“水彩畫”也早有出現。
中國的國畫與水彩畫也有類似之處，用水調和墨彩作畫，是中國古老的傳統，中國畫的山水、風景畫到了明末清初，與國外當時的水彩風景畫差別已不大了。
拜占庭的畫家早就開始了製作樹膠質“水彩畫”。另外歐洲中世紀手抄本里的裝飾畫，大多是用水彩畫成，這種“水彩插圖”是水彩畫在另一個領域的新成就。
雖然，用水調和顏色的畫種，有如此悠久的歷史，但是，古代用水調色的畫和現代水彩畫卻不是一回事，很難肯定的說現代的水彩畫就是由古代水調顏色的畫發展而來的。因為現代水彩畫的工具以及技法，在歷史的發展過程中經過了許多複雜的變化。而且，現代水彩畫的特點，在古代水調色的繪畫中很難找到一點痕跡了。現代水彩畫的特點，很難使人們相信它是從古代水調顏色的繪畫中發展過來的結果。但是，如果把古代水調顏色的繪畫，同當代水彩畫截然一刀兩斷，認為兩者之間毫不聯繫，毫不相通的說法也是不對的，只怕也是很不全面的。因為任何繪畫形式都是有關連的，任何繪畫形式的發展都是呈穿插式交流發展的，與其他藝術形式毫無關連，獨自發展的封閉式藝術形式是不存在、也是不可能的。
國外早期
水粉繪畫-上海的俄羅斯老太太
水粉繪畫-上海的俄羅斯老太太
在國外，最早繪製水彩風景畫的是德國巨匠丟勒（1471～1528），他在學畫時代就經常用水彩畫風景畫和動、植物畫，他嚴肅地觀察大自然，崇拜、讚嘆大自然的千姿百態，他的許多作品都成了視覺藝術的典範。他的主要水彩作品有：《風景》《小白兔》《大草坪》《阿爾卑斯山風景》等。丟勒的動物、植物寫生，十分注意局部和細節，使藝術家在動物和植物中表現的魅力得到充分展示。他的風景畫也同樣十分真實，山脈的安排和結構都具有透視感，而且同時又富有詩意。
在18世紀以前的水彩畫，還有一種淡彩作業，色彩也不是十分豐富。當時，描繪野外氛圍的微妙變化還是十分成功的。在水彩肖像畫、充滿詩意的風景畫和刻畫精緻的細密畫中，我們可以看到色彩的發展，它為現代水彩畫奠定了基礎。
到了18世紀和19世紀，英國的藝術家們感覺到，水彩畫似乎特別適宜於描繪英國的自然環境、生活趣味和民族特色，水彩畫在英國得到了飛速的發展，這朵藝術之花，在滋潤的英國土壤中盛開怒放。18世紀和19世紀的英國成為現代水彩畫的發源地。
形成
水彩畫中，風景畫是它中間的主流，處於水彩發展的重要位置。因此，了解水彩風景畫的形成與發展，對於了解水彩藝術的形成與發展有著重大的意義。18世紀是英國風景畫建立的世紀，也是水彩畫形成的世紀。其中地形畫通過進一步藝術處理逐漸發展為風景畫，淡彩畫進一步成為水彩畫，兩種早期處理手法互相聯繫，互相滲透，緊密地結合在一起，逐步完成了水彩風景畫形成的全面過程。
被譽為水彩藝術之父的保羅·桑德比（1725～1809）以勤奮不懈的工作和出色的才能，在社會上贏得了榮譽和地位。他是宮廷的寵兒，他的周圍聚集著一批隨學之工，其中有許多當時極負盛名的藝術家和業餘藝術愛好者。在那個時代，桑德比被同行們看做是繪畫技術的權威，並被他的一些追隨者們廣為傳播，成為一個具有很大影響的人。
老科曾斯，在水彩發展史上被稱之為風景畫的建立者之一。他是俄羅斯彼得大帝和他英國情婦的私生子，成年後被送往義大利留學，專攻古典派的風景畫。他經常在作畫技法上大膽創新，他可以隨意地在紙上塗抹一些黑、棕、藍、灰等顏色的團團點點，讓顏色化開後轉印到另一張紙上去，然後根據他的豐富的想像，點上幾筆，紙上就會出現富有浪漫色彩的岩石、叢林、高塔、樓房、屋舍、河流、田野和瀑布等，他還專門介紹這種畫種，他一生的大部分時間都花在圖畫教學的工作上，成為受人尊敬的一代大師，著名的水彩巨子約翰·羅伯特科曾斯就是他的兒子。
抒情類
抒情水彩風景畫的興起有它的深刻歷史背景，18世紀英國的工業革命開始了，工業革命使生產力得到了提高，發展了生產，但同時造成工人大量失業，人們對於生活現實表現了越來越多的不滿，反映到藝術中來，批判人文中過去的懷古傾向，否定了懷古主義的冷靜的處世態度，強調生活中的感情，對藝術也提出了這樣的要求，由此產生了藝術上的抒情主義。有幾位大師為水彩畫的發展做出了巨大的貢獻，起到了領導先驅的作用。
蓋思斯巴勒（1727～1788）早在大自然還沒有被一般藝術家認真理解和精心描繪的時候，他已經在風景畫方面很有自己的見地了，他對大自然充滿著熱愛之心，是歐洲第一流的風景畫家。他一生創作雖以油畫為主，但他繪製了許多淡彩風景，給後來的許多的畫家以啟示。
被譽為一代水彩巨子的小科曾斯（約翰·羅伯特·科曾斯1753～1799）是老科曾斯的獨生子和學生，他是英國最富有想像力和獨創性的藝術家之一，他是新時代水彩畫的先驅者中最偉大的一個，人們稱他是“用水彩畫作詩的人。”
現實類
工業革命新時期的社會變革到來了，抒情主義者只是默默無聞地注視著這一切的到來，讚賞著與這個時代相背逆的東西。這種不言的抗議隱晦地發泄了內心世界的不滿，因此在社會上取得了不少的成功，但是他們的弱點是始終不曾正面去表示一下自己的意見。
在資本主義開始發展的時代里，資本主義所暴露出來的惡劣品質，逃脫不過敏感的藝術家的眼睛，在他們富有滑稽幽默風格的思想中，開始被淋漓盡致地揭露出來，並很快地博得了市民階級的讚賞。
16世紀以來，水彩一直作為風景藝術的一門語言，從工業革命開始，人物、故事、歷史題材開始闖入了水彩的世界，水彩藝術的新時期到來了。這一時期的代表主要是羅蘭森。
托馬斯·羅蘭森是一個商人的兒子，早在皇家美術學院學習時，便充分顯露出他超人的想像力和滑稽的幽默感，並成為他藝術道路的基石，幽默是其一生藝術的特點。羅蘭森不僅是一位漫畫家，而且是一位描繪世界感覺和周圍生活事件的評論家，他用無聲的說教讓讀者自己去體會深思，並用幽默的筆調打擊資產階級的尊嚴。
寫實類
約翰·康斯特布爾（1776～1837）是一位真正的田園畫家。他描繪大自然，不加絲毫虛飾，也不追隨任何人，因此成為寫實主義風景的開創人，他是第一個描繪英國潮濕空氣的畫家，是最早描繪穿過葉簇，照射在草地上，點點陽光，和雲彩的藝術家。他大量描繪了大自然的形狀和素質，以及前人從未嘗試過的平凡的景色。康斯特布爾為以後的印象主義的發展開創了道路。
康斯特布爾出生於一個磨坊主的家庭，1799年進入皇家美術學院學習。他對自己的信念從不懷疑，不過是想把自己異常了解和熱愛的事物畫得出色一點。他說：“我想像自己在敲板釘子，已經敲了一下，只要堅持，一定能敲得很深，如果停下來去效仿別人，即使能藉此自慰，也不會因此有所進步，並且這板釘子就會留在原處，一動未動。”他在前期由於得不到人們的認識與首肯，只有靠繪製肖像的臨摹餬口，儘管他的《白馬》和《乾草車》
《白馬》布萊恩說康斯特布爾的速寫：“這不是畫，而是靈感。”富塞利也評價說：“使我想起披上外衣，帶好雨傘。”
康斯特布爾的水彩畫，是他生活和自然印象的直接體現，他總是畫得很快，很精，很有力量，他的作品是為他個人需要而畫，因而被人們所忽視；然而，他作品的啟示性是英國繪畫史上的重要財富之一。
而今，康斯特布爾被稱為開創英國風景畫新時代的巨人，並且也是開創世界水彩風景畫的先驅，對後世的藝術家影響廣泛而深遠。
19世紀
19世紀的藝術，也稱“維多利亞時代”的藝術，這一時期的藝術內容庸俗，形式空洞，為改變這一狀態，拉斐爾前派運動開始興起，是向維多利亞時代沉腐的藝術形式的挑戰。這一運動分為前後兩階段，前一階段以米萊為代表。後一時期以莫里斯為代表。
米萊是19世紀英國最偉大的畫家之一，他比同時代的畫家更多地將一種新的，健康的生命力灌注於英國藝術。他有力而真實地描繪了所見到的一切，在寫實這一點上，他是非常卓越的。米萊晚年所畫的水彩畫，忽視了水彩的透明性和其他特性，畫出的水彩畫常常與油畫很相似。
莫里斯是一位多才多藝的畫家，他不斷尋求藝術表現的新形式、新手法，他認為真正的藝術離不開生活，藝術實踐本來逃不出道德、社會和政治信仰的範疇，他把後期拉斐爾前派的思想活動更向前推進了一步。
20世紀
印象主義在法國的發展，帶動了其在英國的傳播，最早把印象主義帶到英國的是惠斯勒，他被譽為是19世紀末歐洲最傑出的畫家之一。
他在巴黎時，對印象主義極感興趣，他依賴於實際觀察，而他先入為主的和諧色調，又完全壓倒了對自然的模仿，印象主義重在表現客觀世界的色彩變化，惠斯勒卻傾向於理想的色彩和諧。惠斯勒同時是一位優秀的水彩畫家和版畫家。他的版畫被譽為倫勃朗以來最傑出的版畫，他的水彩和他的油畫相仿佛，素靜淡雅，情調迷人，雖著筆不多，卻意趣無窮。
與惠斯勒同時代的薩金特是寫實主義肖像畫家。他繪製了大量上層社會的人物肖像，構成了那一時代的縮影，薩金特的水彩風景畫，帶有濃厚的即興速寫的情致，水份淋漓，色彩悅目，光的處理令人驚嘆，他是皇家水彩畫家協會會員，皇家蘇格蘭美術院學生。
19世紀末，20世紀初，蘇格蘭畫派中水彩名家輩出，他們繼承英國水彩藝術的優秀傳統，又吸收當代世界藝術潮流的營養，把水彩畫推向了一個更新的高度，其中最優秀的代表人物有威廉·羅塞爾·弗林特，他的每幅水彩作品都是歡樂印象的記錄，色調明快、清新，用筆流暢，其最大長處是畫面的真實性和動情性。
現代主義
歐洲大陸對英國藝術的影響，遠超出印象主義的範圍，1909年成立的現代藝術協會成員的創作，表現方法為後印象主義的風格。1914年開始萌芽的漩渦主義，都分別源於歐洲大陸的立體主義和未來主義。1933年，保羅·納什組織的“第一單位”是超現實主義的團體。
這一時期的代表人物有溫得姆·劉易斯，第一次世界大戰期間，他在法國創作士兵生活題材的圖畫，發展了立體派的幾何形風格，表現了對戰爭的厭惡，他的形式和風格在當時畫壇上引起了爭論。
弗朗西斯·霍奇金斯（1869～1947）也是其中重要的一位。她是被邀請到巴黎任教的第一位英國女畫家，她的畫在色彩和色調上受到馬蒂斯和日本繪畫的影響，形式美妙和諧，具有高度的獨創性和豐富的感情，它不斷地啟發了工藝美術家們的靈感。
水粉性能
色彩純度與明度的局限性水粉顏料在濕的時候，它顏色的飽和度和油畫顏料一樣很高，而乾後，由於粉的作用及顏色失去光澤，飽和度大幅度降低，這就是它顏色純度的局限性。水粉明度的提高是通過稀釋、加粉或含粉質顏料較多的淺顏色來實現的。它的乾濕變化非常之大，往往有些顏色只加少許的粉，在濕時和乾時，其明度就表現出或深或淺的差別。由於水粉乾後顏色普遍變淺，所以，運用好粉是水粉畫技術上最難解決的問題。而含粉的色彩又恰恰使畫面的顏色
水粉個性差異
水粉顏料大部分顏色是比較穩定的，如土黃、土紅、赭石、桔黃、中黃、淡黃、橄欖綠、粉綠、群青、鈷藍、湖藍等等。但是，水粉顏料中的深紅、玫瑰紅、青蓮、紫羅蘭等顏色就極不穩定，容易出現翻色，不易覆蓋。水粉顏色的透明色彩種類較少，只有檸檬黃、玫瑰紅、青蓮等少數幾種顏色，要畫好水粉畫就必須充分掌握水粉各顏料的個性，了解它的受色能力的強弱、覆蓋能力的大小、色價的高低。這些問題都要通過不斷實踐，做到熟能生巧。成分
製造水粉顏料需要有各種著色劑、填充劑、膠固劑、潤濕劑、防腐劑等結合劑。
著色劑——使用球磨機磨研成極細的顏料粉。
填充劑——主要是各種白色顏料或小麥澱粉等。
膠固劑——糊精、樹膠等。
潤濕劑——冰糖、甘油等。
防腐劑——石炭酸或福馬林。
水粉畫的填充劑所採用的白色顏料有鉛白、鋅白、白磁土(鋇白)、陶土(高嶺土)等。
鉛白——是純白色的人造礦物質顏料。純淨的鉛白與鎘黃以外的其他顏料相混合都是十分耐光與牢固的。
鈦白——是一種華美的純白顏料，屬人造礦物質顏料。無論單純的鈦白或與其他顏料混合，都是耐光與持久的，但要避免與鈷黃、鎘黃和洋紅相混合，因為一經混合即會變黑。
白磁土——即鋇白，是純硫酸鋇，為人造礦物質顏料，具有特別的耐光性和抗衡外部影響的堅固性，與其他顏料混合具有持久而堅固的特性。
鋅白——是一種稍微偏冷的白色，耐光而持久的人造礦物質顏料。它的嚴重缺點是色層脆弱缺乏彈性，易龜裂散落；且易吸潮、容熱；遮蓋力也較薄弱。經過一定的時間後，特別是受了太陽熱和潮濕的影響，就會明顯地喪失遮蓋力，色彩也不純正，主要作為製造質地及品級較低的水粉顏料的附加物。
結合劑中的膠固材料(糊精、樹膠等)能使顏料牢固地附著在紙面上，膠固劑過量時，可能會使局部水粉色層產生表面光亮，使畫面不統一；相反膠固劑如果用量不夠，會使顏料乾燥污穢，與紙面結合不牢固，容易擦掉。結合劑中的潤濕劑，如冰糖、甘油等能使顏料增加彈性，減慢乾燥速度，畫面色彩銜接滋潤柔和。糖分與甘油是吸收潮濕力極強的材料，如果過多，就會使顏色變黑，色層酥脆而不結實。使用石炭酸、福馬林等防腐劑能使顏料在氣候的溫濕度變化情況下，也不至於發霉變質。
顏色種類
紅棕色系：深紅、大紅、朱紅、玫瑰紅、肉色、橙紅、土紅、棕紅、赭石、熟褐；
黃色系：橘黃、土黃、深黃、中黃、淡黃、檸檬黃；
綠色系：墨綠、深綠、橄欖綠、中綠、粉綠、淡綠、黃綠、翠綠、草綠；
藍紫色系：普藍、群青、天藍、湖藍、鈷藍、紫羅蘭、青蓮；
高級灰：橙灰、黃灰、紫灰、藍灰、綠灰、牙黃灰、淺蟹灰、紅豆灰、綠豆灰；
灰度：煤黑、鈦白、培恩灰；
特殊顏色：螢光桃紅、螢光橙、螢光黃、螢光綠、金、銀、紫銅。
註：顏料最好使用正宗美術用品生產廠家生產的管裝或罐裝的專業產品，優質水粉顏料應膏體細膩，色彩飽和鮮艷，不髒不灰，稠度適中，無結塊，無滲膠。切勿被廉價的劣質產品所迷惑。固有色
就是物體本身所呈現的固有的色彩。對固有色的把握，主要是準確的把握物體的色相。由於固有色在一個物體中占有的面積最大，所以，對它的研究就顯得十分重要。一般來講，物體呈現固有色最明顯的地方是受光面與背光面之間的中間部分，也就是素描調子中的灰部，我們稱之為半調子或中間色彩。因為在這個範圍內，物體受外部條件色彩的影響較少，它的變化主要是明度變化和色相本身的變化，它的飽和度也往往最高。
水粉渲染
水粉中國的建築師在學校里都受過水彩渲染的訓練，過去的建築透視圖也多用水彩渲染表現。由於水彩渲染色彩鮮明度變化範圍小，圖面效果不夠醒目，繪製速度慢，在70年代，中國有些建築師開始嘗試用水粉顏料來表現建築物。由於受水彩渲染技法的影響，儘管顏料變了，但對畫面色彩的處理原則仍與水彩渲染大體相似。例如，較大色塊如天空，牆面，陰影等的著色，要求做均勻退暈，畫面全部畫滿，畫面全都要用水粉產料繪製，不允許摻雜其他顏料等。這咱水粉渲染技法的出現對於水彩渲染來說顯然是一個進步，使畫面變得醒目多了，繪製速度也有所提高，但是還存在某些缺點。例如，滿足將畫面畫滿的要求就需要畫出大面積的天空，白雲，地面和配景，這要花費不少時間，也需要具備較高的繪畫技巧；滿足均勻退暈，對於水粉渲染來說，不容易做好，也就影響了繪製速度的進一步提高；另外，單一的水粉顏料難以更有效地表現某些材料的質感等。
其他國家近些年來發展起來的現代水粉渲染技法避免了上述缺點，又向前發展了一步。這種技法不拘一格，綜合運用多種工具和材料，發揮各自特長，加強了水粉渲染的表現力，進一步縮短了繪製渲染圖的時間，提高了工作效率。為了與前者區別，我們稱這種渲染技法為現代水粉渲染技法。
現代水粉渲染作品一般是畫在有顏色的紙或紙板上的，這種色紙或紙板在國外有售，其色調不同，但多為較含蓄的不同傾向的灰調。繪製用筆主要有水彩筆，化妝筆，板刷等。這種渲染技法所用顏料不受種類限制，水粉顏料，水彩顏料，顏色鉛筆，鉛筆等並用。具體來說，玻璃著色一般用水彩顏料，有時局部用少量水粉顏料；配景用水粉顏料，遠景也可以用水彩或很薄的水粉著色；地面用水彩顏料著色；天空一般不著色，而用色紙本身色調；去用水粉顏料或用白色鉛筆著色；材料質感用水粉顏料，顏色鉛筆，鉛筆等去表現，等等。當然，這種渲染技法所需要的個別條件目前在中國尚未完全具備，如色紙種類極少，也不適用等。但是，可以根據具體情況對上述渲染技法略加改造，也能繪製出同樣的效果的渲染圖。
水粉靜物
水粉水粉靜物寫生，要結合技法的運用來談。水粉靜物寫生的技法有著相對的靈活性和多樣性。它既可以借鑑油畫的塑造手段，又可依據水彩畫的表現技法，還可以將兩種方法兼容並用，形成了水粉畫在表現色彩時所具有的優勢。它為人們理解和掌握色彩關係及其變化規律，提供了較為靈活和便利的條件。水粉畫又有其特殊的問題，如容易出現的髒、灰、粉、生等毛病，對初學者，甚至對有了一些作畫經驗的人，都是很難解決的。產生這些現象的原因，有技法問題，同時也有觀察方法的問題，然而主要問題多是由於作者對客觀對象所產生的色彩現象缺乏一定的理解。比如，把一塊很漂亮的顏色，放到一幅和諧的色彩畫中去，也可能會顯得髒。一塊在這幅畫中看起來似乎很暗很髒的顏色，放到另一幅畫中卻顯得十分漂亮。稍有繪畫經驗的人都能有所體會，關鍵問題就在於需要我們要用色彩關係及其變化規律的原理去理解、分析和表現客觀對象的色彩。
在靜物寫生中，常可看到這樣的現象，被描繪出來的蘋果，由於過多地注重條件色對其固有色的影響，使本來顏色很鮮艷的蘋果，畫出來後給人的感覺很髒很爛。還有在描繪物體時只注意了其固有色，忽視了條件色對它的影響，給人的感覺好像此物體不是放在這個特定環境中的物體。以上兩例所描繪出來的物體都給人以不典型、不生動的感覺，原因多在於缺少用色彩關係及變化規律的原理去理解和分析對象的色彩。
因此，理解和掌握色彩關係及其變化規律是至關重要的。它能使我們觀察色彩的能力得到提高，表現出來的色彩也就會真切，同時也會使我們在色彩寫生和創作中占有主動權，免於被動地模仿對象的顏色，而是按照客觀對象在一定的條件下所形成的色彩關係進行描繪，也就是我們常說的畫畫是畫關係，而不是畫東西。在靜物寫生中還應引起我們注意的是有些質感特殊的物體，如瓷器、金屬製品，它們對光源色及環境色的反射能力很強，它們所反映出來的光源色和環境色有時與被反映的物體的顏色幾乎沒有什麼差別。還有一些如陶製品、木製品類的物體，它們對光源色及環境色的反射敏感程度很弱，有時很難辨出其受光源色及環境色的影響。這就需要我們對反射能力極強的物體要找出其固有色的因素，反射光色能力弱的物體尋找出其光源色及環境色的成分。
著色步驟
水粉畫易於修改，初學者往往思想鬆懈，缺乏嚴格的方法步驟。應當每一步都不馬虎潦草。有了嚴格的訓練，才能進步得快，否則欲速則不達。
起稿
開始象畫素描一樣，先用鉛筆定位置和比例，不必用橡皮，以免損壞紙面，影響著色效果。接著用顏色定稿，根據靜物的色調，用赭褐或群青色定稿皆可。色線可略重一點，並可用定稿之色薄薄地略示明暗，為下一步的著色作鋪墊。造型能力強一些的，也可直接用色線起稿，不示明暗，直接著色。
鋪大色調
定稿之後，迅速地觀察一下整體色調和大色塊關係，做到胸有成竹，儘快地薄塗。此刻不要考慮形體與筆觸，根據新鮮的色彩印象大膽揮灑，造成畫面的色彩環境。有的人在完成上一遍色後，就急於具體刻劃。應進一步調整大色塊的關係，使色彩之間的關係和總的色調，與實際感覺相吻合。
具體塑造
在大關係比較正確的基礎上，進一步進行具體塑造，從畫面主體物著手，逐個完成。集中畫一件物體乾濕變化易於掌握，也易於塑造其受光與背光不同面的色彩變化。此時眼睛要隨時環掃周圍，從局部入手但不能陷入局部，顧此失彼。要看該物體與背景和其他物體的關係，掌握分寸，細節可留下一步刻劃。這一遍色用色要適當加厚，底色的正確部分可以保留，增加畫面的色彩層次。
細節刻劃
對瑣碎多餘的細節固然可省略，但對表現物象特徵與質感的重要細節應加強刻劃，畫龍點睛。細節要綜合到整體之中。最後的筆觸最為重要，它將不被覆蓋而顯露給欣賞者。
調整、完成
畫室外一幅靜物寫生，作為基本練習一般以八小時為宜，力求深刻準確。熟練之後三、四個小時也可以表現得比較充分。作畫時間較長，眼睛容易疲勞，色感容易減弱，具體刻劃又容易忘記整體。在寫生接近完成的時候，恢復一下第一印象，檢查一下畫面：在深入刻劃時是否有些地方破壞了整體，局部和細節的色彩有沒有“跳出”畫面，還有沒有其他毛病。檢查後，調整、修改、加工。錯誤之處，如畫得太厚，要洗掉再畫，直至完成。
乾濕技法
水粉畫運用的乾濕技法，主要指調色時含水和白粉量的多少。
乾畫法：就是說水少粉多的意思，這種畫法多採用擠乾筆頭所含水分，調色時不加水或少加水，使顏料成一種膏糊狀，先深後淺，從大面到細部，一遍遍地覆蓋和深入，越畫越充分，並隨著由深到淺的進展，不斷調入更多的白粉來提亮畫面。乾畫法運筆比較澀滯，而且呈枯乾狀，但比較具體和結實，便於表現肯定而明確的形體與色彩，如物體凹凸分明處，畫中主體物的亮部及精彩的細節刻畫。這種畫法非常注重落筆，力求觀察準確，下筆肯定，每一筆下去都代表一定的形體與色彩關係。乾畫法也有它的缺點，畫面過多的採用此法，加上運用技巧不當，會造成畫面乾枯和呆板。但乾畫法的色彩乾後變化小，對於練習色彩收效較大，也容易掌握。
濕畫法：此法與乾畫法相反，用水多，用粉少。它吸收了水彩畫及國畫潑墨的技法，也最能發揮水粉畫運用“水”的好處，用水分稀釋顏料渲染而成。濕畫法也可以利用紙和顏色的透明來求得像水彩那樣的明快與清爽。但它所採用的濕技法比畫水彩要求更高，由於水粉顏料顆粒粗，就要求濕畫時必須看準畫面，濕畫部位一次渲染成功，過多的塗抹或多遍塗抹必然造成畫面灰而膩。但這種畫法運筆流暢自如，效果滋潤柔和，特別適於畫結構鬆散的物體和虛淡的背景以及物體含糊不清的暗面。如發揮得當，它能表現出一種渾然一體和痛快淋漓的生動韻味。它的色彩藉助水的流動與相互滲透，有時會出現意想不到的效果。為製造這種濕效果，不但顏料要加水稀釋，畫紙也要根據局部和整體的需要用水打濕，以此保證濕的時間和色彩銜接自然。有關濕畫法的控制及實際操作運用，上述畫法步驟中已講得很多，不再一一細述。
水粉畫乾濕畫法的特點以及套用範圍，基本上如前所述。要特別說明的是：乾畫法與濕畫法的分界是以畫筆含水量的多少來決定，一般人認為用粉及用色多了，畫得厚了，就是乾畫法，這不準確，因為必須是粉多、色多、水少才成為乾畫法。也有人認為粉少、畫得薄就是濕畫法，這也不確切，只有稀釋顏料用水多的情況下才能成為濕畫法。因此，可以說有粉多的乾畫法，也有粉少的乾畫法。與此相反，濕畫法也有粉多濕畫法和粉少的濕畫法。但不管幹也好，濕也罷，仍然以粉使用之得當為佳，這樣才不失水粉畫的特點。乾畫法和濕畫法，二者在作畫時應交叉運用，只是根據畫面實際需要，有的濕畫法運用多一些，有的乾畫法運用多一些。如果一幅畫用水過多，全部採用濕畫法來處理畫面，就容易造成失控，使物體鬆散，並失去色彩光澤。同樣，全部採用乾畫法，靠堆積的顏色和白粉不斷加厚畫面，就會出現死板、乾裂和顏色脫落的情況，畫面也難以長期保存。總之，乾、濕畫法只有根據作畫步驟，由濕到乾、由薄到厚的順序合理運，才能發揮乾、濕技巧的最佳效果。這是一般的作畫過程所遵守的原則，真正運用還要在實踐中根據畫面要求靈活掌握。
靜物畫技
第一步：這種平擺浮擱的構圖給人的感覺很自然，也是一種構圖形式。單色起底。用色要注意，造型要準確。
第二步：這是一幅紫顏色的畫面，紫色不易反覆畫．第一遍的顏色要爭取畫準確，使下一步能有一個好的基礎。黃與紫是強對比色，通過玻璃盤的灰紫色；把兩種對比較強的顏色連線起來，把粉紫色襯布上的梨和桔子的暗部色畫得偏桔偏暖、形成對比，
水粉第三步：用乾畫法表現塑造桃子的質感。用小筆調一下的黃綠色，畫出桃子的微妙變化；如背光、反光、倒影、桃子之間的縫隙。而粉紫襯布上的黃梨顏色調得很飽和，水分適當．如淺黃加白至中黃過渡到桔加綠，在顏色濕的時候進行銜接，筆觸含蓄，表現出梨的光澤質感和韻味。花瓶受光部分的花紋可畫虛些，偏藍紫味．而轉折部畫的實些，背光帶綠味。這一步要注意畫面的虛實、強弱、冷暖變化。
第四步：這一步是收口工作，要求準而精、一定要整體觀察．影響整體關係的地方要毫不猶豫改掉，如花瓶背光的調整，調普藍加熟褐畫出背光里的花紋變化，邊緣處調點紫色，明度與後邊的襯布接近，使之邊緣線含到背光裡面，空間感比原來要好多了。桃子之間的關係有些過實，縫隙過重可帶點暖色減弱些。玻璃酒杯的邊緣用小筆細心畫出細線，提出質感、粉襯布靠裡邊一些地方加了些冷灰色。白碗裡的梨邊緣也帶了幾筆。前後形成色彩的透視變化和畫面的整體協調感。使畫面更完整。
第五步：調整畫面，細部的地方，大體的畫面要處理好，雜亂的東西要除去。水粉畫的著色方法水粉畫顏色有較強覆蓋能力，但也不能毫無顧及地隨便亂塗，它有自己一定的著色方法和步驟。
從整體到局部
水粉畫是色彩畫的一種，它同水彩、油畫一樣，都是從畫大色塊入手。整體著眼和從大體入手是我們的作畫原則，大色塊和大片色，對畫面色調起決定性作用，應首先畫準組成畫面的主要色塊的色彩關係，然後再進行局部的塑造和細節刻劃。
深重色到明亮色
明亮色多是厚塗，一遍遍薄塗亮不起來。先畫深重色，容易被明亮色覆蓋；相反，一般是先畫面積較大的深重色（包括暗部和明部和重色），予以確定畫面色彩的骨架。逐步向中間色和明亮色推移。以明亮色為主的畫面，還是要先塗明亮的大色塊，顏色稍薄一點，局部小面積的深重色後加上去。如果中間色為主，作畫時先塗中間色，運用並置的方法，分別向面積較小的暗色的明亮色畫過去。方法不是死的，要根據情況靈活掌握。
從薄塗到厚畫
薄塗即用水稀釋顏料，如同畫水彩畫，根據總的色彩感覺，迅速地薄塗一遍，造成畫面整體的色彩環境，爾後逐漸加厚，深入表現。薄塗比較正確的地方要善於保留，使畫面色彩有厚有薄，以增加色彩有層次和厚重的效果。水粉畫顏料不象油畫、丙烯顏料附著力強，可隨意畫厚。水粉畫的厚塗要厚的適當，過厚容易龜裂脫落，所以較厚而不準的顏色應洗掉再畫。
著色技法
乾濕畫法
在水粉畫中，乾畫法一般是指厚塗重疊的方法。此法可以反覆地畫，一遍不行再畫一遍，表現對象比較充分、深刻，也宜於初學者掌握。這種厚畫的畫面，類似油畫的效果，有渾厚之感。濕畫法是以薄畫為主，發揮水色滲化的效果，著色遍數不宜多，甚至白色部分可以空出白紙，具有水彩畫濕潤流動的意趣。當然，一些局部加厚也是可以的，乾濕結合會增強表現力。
並置和重置
並置是筆觸在畫紙上並列擺置，著色遍數較少，開始用色即厚一些。如強調二度空間的畫面。先用毛粗暴色線勾一下輪廓及結構，添色時用並置的方法把顏色擺上去，壓出色線。重置是一種疊色的方法，以色點、色線、色塊進行重疊著色。作畫大都是重置與並置結合運用，以利充分地表現對象。
乾濕變化
顏色乾濕變化是水粉顏料的特性之一。將顏色塗在畫紙上，濕時感覺比較恰當，乾後才會發現變淡變灰一些。不了解這一特性往往給著色帶來被動。掌握這一特性，事先預計乾後的效果，可避免後加之色成為不協調的“補釘”。作畫時，應從薄到厚進行著色。先厚畫再薄塗乾濕變化大；先薄畫，逐步減少用水畫厚，乾濕變化不明顯，較易掌握。修改畫面時也適合厚塗。也可在要修改的周圍塗一點清水，修改的部分乾後就會自然統一。
色彩銜接
畫面需兩塊顏色銜接要自然，從明到暗要過渡圓潤，色彩要銜接恰當。方法有三：
a、利用濕畫，使明色與暗色、此色與彼色，由於水的作用互動滲化，這樣效果會自然而柔潤。一遍不行，可照此方法再畫一遍。
b、在兩色之間用中間明度的顏色畫上去，雖有明顯筆痕，遠看過渡自然。
c、兩色銜接生硬之處，可用其中一色在鄰接處乾掃幾下，增加過渡的色階。也可用筆蘸少量清水在生硬之處輕掃幾下，使兩色銜接處從明度或色彩方面揉出過渡層次，轉折即會自然。
d、用筆筆色在紙面上運動，出現筆痕，即謂筆觸。一般通過畫面中的筆觸可以看出畫家大致的作畫順序和怎樣用筆來塑造對象的，用筆不是目的，是一種表現手段，許多畫家的筆法是有所區別的，有的大筆縱橫，有的小筆點繪。哪一種筆法好呢。怎樣用筆才對。應該從表現對象的目的著眼，根據不同物象的不同結構、不同質感和作者的不同感受，立足於表現。要從表現對象出發，為表現形體結構和色彩，靈活運用塗、擺、點、勾、堆、掃等各種筆法進行描繪。
