作品原文
只有誰在陰影內也曾奏起琴聲，他才能以感應傳送無窮的讚美。只有誰曾伴著死者嘗過他們的罌粟，那最微妙的音素他再也不會失落。倒影在池塘里許常模糊不清：記住這形象。陰陽交錯的境域有些聲音才能永久而和暢。[1]
創作背景
1921年夏，里爾克隻身一人來到了瑞士小城米索，這個地方後來也被世人永遠銘記。在這座小小的城堡里，里爾克完成了兩部聞名世界的組詩《杜伊諾哀歌》和《致奧爾弗斯的十四行》。1922年元旦，孤獨中的詩人收到朋友克諾普夫人的來信。在信中她述說著她年僅二十歲的女兒維拉·烏卡瑪·克諾普病逝的噩耗。正是維拉早亡給了里爾克創作的靈感，寫下這不朽的傑作《致奧爾弗斯的十四行》。[1]作品鑑賞
先看詩作第一節，我們注意到一個有意思的現象，這節詩由一句話構成，中間包含一個讓步的句式，“只有”什麼，“才能”什麼。下一節詩和這節如出一轍，都採用了相同的結構方式。所以前兩節適合放在一起進行闡述。詩人提到“只有誰在陰影內/也曾奏起琴聲/他才能以感應/傳送無窮的讚美”。“陰影”到底指什麼？為什麼只有在陰影內才能以感應，傳送無窮的讚美？詩人並沒有闡明，似乎以“陰影”隱喻死後留得琴聲的遺響在人間。而在第二節中，詩人又提到“罌粟”這個意象，“罌粟”本為令人迷醉之物，可以讓人達到一種迷狂的狀態。在此，詩人用它與死亡的結合傳達出一種更加神秘的氣息。當他（她）擁有了像“罌粟”一樣“最微妙的音素”，他（她）再也不會失落，他（她）也真正理解了生命的含義和永恆的存在。依據古希臘神話記載，美少年納喀索斯面對流淌的河水自我欣賞，顧影自憐，最終投入波中化為水仙花。本詩最後兩節化用這個典故，似乎以納喀索斯比喻維拉這個早夭的少女，喻指死後的生命在生死交融的境域永生/）同時，又以生死合一與以生命換取不朽之美的寓意，象徵著美與生命超越生死的界限常留世間。[1]
作者簡介
賴內·馬利亞·里爾克（RainerMariaRilke1875～1926）奧地利詩人，20世紀最偉大的德語詩人。早期的創作具有鮮明的布拉格地方色彩和波希米亞民歌風味。1897年遍游歐洲各國後，他改變了早期偏重主觀抒情的浪漫風格，開始寫作以直覺形象象徵人生和表現自己思想感情的“詠物詩”。對資本主義的“異化”現象表示抗議，對人類平等互愛提出烏托邦式的憧憬。里爾克的詩歌儘管充滿孤獨痛苦情緒和悲觀虛無思想，但藝術造詣很高。代表作品詩集《生活與歌曲》、《祭神》、《夢幻》、《耶穌降臨節》、《圖像集》、《祈禱書》、《新詩集》、《新詩續集》、《杜伊諾哀歌》和《獻給奧爾甫斯的十四行詩》。[1]擴展閱讀
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